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  • Mostre d'Arte

    BALLO&BALLO Fotografia e design a Milano, 1956-2005

    Galleria Arte e Stile / Maggio 24, 2024 / 0 commenti

    14 giugno - 3 novembre 2024

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  • Mostre d'Arte

    DIORAMA Generation Earth

    Galleria Arte e Stile / Maggio 9, 2024 / 0 commenti

    Inaugurazione, venerdì 5 luglio ore 19

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Artisti

  • Pensare Universale: Armando Pelliccioni
  • Alessandro Rocchi e i suoi cicli scultorei

Storia dell’arte

  • Giuseppe Arcimboldo: Il Maestro delle Visioni Fantasiose tra Arte e Natura

    Giuseppe Arcimboldo (1526-1593) è una figura che sfida ogni tentativo di categorizzazione tradizionale. Considerato un maestro del manierismo, è noto soprattutto per i suoi straordinari ritratti composti da oggetti comuni: frutta, verdura, fiori, pesci e libri, combinati con precisione maniacale per creare volti umani. Ma chi era davvero Arcimboldo, e perché la sua opera continua ad affascinare gli studiosi e il pubblico contemporaneo? L’Arte della Trasformazione Arcimboldo nacque a Milano in un periodo di grande fermento culturale, influenzato dalle scoperte scientifiche, dalle esplorazioni geografiche e dall’espansione delle collezioni naturalistiche. Non sorprende quindi che la sua opera rifletta questo interesse per il mondo naturale e le sue infinite variazioni. Arcimboldo non si limitava a dipingere ritratti convenzionali; creava immagini che sfidavano la percezione, invitando l’osservatore a guardare oltre l’apparenza superficiale. Le sue composizioni, come “L’Estate” e “L’Inverno”, fanno parte della famosa serie delle Stagioni, dove la frutta matura e i fiori estivi, o i rami secchi e le radici invernali, si fondono per creare ritratti bizzarri e surreali. Queste opere dimostrano l’interesse di Arcimboldo per l’interconnessione tra l’uomo e la natura, una tematica che risuona particolarmente oggi, in un’epoca di rinnovata attenzione all’ambiente. Giuseppe_Arcimboldo_-Spring-_WGA00805 Il Significato Nascosto dietro le Composizioni Sebbene molti critici dell’epoca considerassero le opere di Arcimboldo come semplici divertissements, le sue composizioni nascondono significati più profondi. L’uso di frutta e verdura nei suoi ritratti non era solo un esercizio di stile, ma rifletteva anche le credenze del tempo sull’influenza degli elementi naturali sulla salute e il carattere umano. Ad esempio, la scelta dei frutti per rappresentare una stagione specifica poteva richiamare i benefici e i pericoli associati a quel periodo dell’anno. Inoltre, l’opera di Arcimboldo esplora la nozione di metamorfosi, un concetto centrale nel Rinascimento, in cui la natura stessa si trasforma continuamente. L’artista cattura questo mutamento costante con una straordinaria maestria tecnica, spingendo il concetto di ritratto oltre i confini della pittura tradizionale. Arcimboldo e il Manierismo Sebbene spesso si parli di Arcimboldo in termini moderni, collocarlo storicamente è essenziale per comprendere la sua arte. Visse e lavorò in un periodo in cui il manierismo stava crescendo in Italia e in Europa. Questo movimento artistico, caratterizzato dall’esagerazione e dalla stilizzazione, si distaccava dalle regole classiche di proporzione e armonia, cercando piuttosto di stupire e incuriosire. Arcimboldo incarnava perfettamente questo spirito, creando opere che sconvolgevano le aspettative dell’osservatore. Il suo legame con la corte degli Asburgo, prima a Vienna e poi a Praga, fu determinante per il suo successo. Qui ebbe l’opportunità di lavorare come ritrattista di corte per l’imperatore Massimiliano II e Rodolfo II. Quest’ultimo, in particolare, era noto per il suo interesse per l’occulto e il bizzarro, il che rese Arcimboldo il pittore ideale per la sua corte. Arcimboldo_Vegetables L’Eredità di Arcimboldo Dopo la sua morte nel 1593, Arcimboldo cadde per lungo tempo nell’oblio. Tuttavia, con l’avvento del Surrealismo nel XX secolo, la sua opera è stata riscoperta e rivalutata. Artisti come Salvador Dalí e Max Ernst trovarono nell’opera di Arcimboldo una fonte di ispirazione per le loro esplorazioni visive di sogni e metamorfosi. Le composizioni impossibili di Arcimboldo anticiparono in molti modi l’arte moderna, con il suo rifiuto di aderire alle regole tradizionali e il suo desiderio di esplorare il subconscio. Arcimboldo nel Mondo Contemporaneo Oggi, le opere di Arcimboldo sono esposte nei principali musei del mondo, tra cui il Louvre di Parigi e il Kunsthistorisches Museum di Vienna. La sua capacità di fondere natura e arte, creando immagini che sfidano la logica e l’ordine stabilito, continua a risuonare con il pubblico moderno. La sua arte non è solo un’espressione dell’immaginazione, ma anche una riflessione sull’interconnessione tra l’uomo e il mondo naturale. L’eredità di Arcimboldo ci invita a guardare oltre la superficie e a esplorare le infinite possibilità offerte dalla creatività umana. Come disse una volta Salvador Dalí, “Chi può mai dire dove finisce la realtà e inizia il sogno?” Le opere di Arcimboldo sembrano suggerire che la linea tra i due sia sottile, se non inesistente. Porträtt,Rudolf_II_som_Vertumnus._Guiseppe_Arcimboldo-Skoklosters_slott-_87582 Citazioni sull’Arte e la Visione di Arcimboldo Per concludere, alcune riflessioni sull’arte che possono offrire ulteriori spunti: Philippe Daverio, noto critico d’arte contemporanea, ha detto di Arcimboldo: “Le sue opere sono il trionfo dell’immaginazione, ma anche una riflessione profonda sulla fragilità dell’essere umano e sulla sua dipendenza dalla natura”. Achille Bonito Oliva ha sottolineato come “Arcimboldo sia un esempio perfetto di come l’arte possa manipolare la realtà, rivelando l’inatteso e sfidando le convenzioni visive”. Arcimboldo, con le sue visioni fantastiche, ci insegna che l’arte è un gioco tra realtà e illusione, dove l’inatteso si nasconde dietro ogni curva, frutto o petalo.

  • Piet Mondrian: La Semplicità del Modernismo

    Piet Mondrian (1872-1944) è uno degli artisti più influenti del XX secolo, noto per aver rivoluzionato il modo di percepire la pittura. La sua ricerca artistica, volta a semplificare la rappresentazione visiva fino all’essenza geometrica, ha aperto la strada al movimento neoplastico e ha avuto un impatto duraturo sull’arte contemporanea, dal design all’architettura. Le Radici di Mondrian Mondrian nasce nei Paesi Bassi, in un contesto culturale segnato dalla tradizione del paesaggio olandese. Inizialmente, il suo lavoro rifletteva questo influsso: dipinti di campi, mulini a vento e paesaggi rurali popolano la sua produzione giovanile. Tuttavia, l’artista era attratto dalle avanguardie europee e dalle nuove correnti spirituali e teosofiche, che lo portarono a cercare nuove forme espressive. Amsterdam – Stedelijk Museum – Piet Mondrian (1872-1944) – Windmill (A 2996) c. 1917.jpg Barberini August 2023-Piet Mondrian – Reihe von elf Pappeln in Rot, Gelb, Blau und Grün, 1908 – Museum de Fundatie, Zwolle.jpg Il suo incontro con il cubismo all’inizio del XX secolo fu un momento decisivo. Si trasferì a Parigi nel 1911, dove rimase affascinato dalle composizioni geometriche e dal rigore formale di artisti come Georges Braque e Pablo Picasso. Da questo momento, il suo stile si evolse verso una sempre maggiore astrazione. La Nascita del Neoplasticismo Mondrian fu uno dei principali fondatori del movimento artistico De Stijl (lo Stile), insieme all’architetto e pittore Theo van Doesburg. Questo gruppo teorizzava la necessità di un’arte capace di riflettere un ordine universale, basato su principi di armonia e di equilibrio tra gli elementi essenziali della realtà. L’opera di Mondrian si concentrò sulla riduzione della forma e del colore a un linguaggio visivo minimale, fatto di linee rette, angoli retti e i tre colori primari: rosso, blu e giallo. A questi si aggiungevano il bianco, il nero e i grigi come colori neutrali. Nasceva così il Neoplasticismo, in cui la rappresentazione della realtà veniva sostituita da un’astrazione pura che aspirava a riflettere un ordine spirituale più alto. Un’opera iconica di questo periodo è “Composizione con Rosso, Blu e Giallo” (1930). Qui, la struttura della tela è data da linee nere perpendicolari che creano un equilibrio tra gli spazi colorati. La tela diventa un dialogo tra vuoti e pieni, dove ogni elemento contribuisce a creare armonia. Piet_Mondrian3 La Filosofia di Mondrian: Arte e Natura Mondrian era profondamente influenzato dal pensiero filosofico e spirituale. L’artista credeva che l’arte avesse la capacità di rappresentare la realtà profonda, oltre l’apparenza visibile. Come disse lui stesso: “L’arte deve essere una rappresentazione astratta della bellezza; l’artista non dovrebbe copiare la natura, ma trovare l’equilibrio tra il contrasto e l’unità”. Mondrian cercava di rimuovere tutto ciò che fosse superfluo, portando la sua arte alla più pura astrazione. Tuttavia, il suo obiettivo non era quello di allontanarsi dalla natura, ma di rappresentarne l’essenza più profonda. Secondo lui, le forme naturali sono semplicemente delle manifestazioni temporanee di un ordine più universale e permanente. Le sue linee rette e i colori primari dovevano incarnare l’equilibrio e l’armonia della natura stessa. L’Impatto di Mondrian: Tra Arte e Design L’influenza di Mondrian è stata immensa, estendendosi ben oltre il mondo della pittura. Il suo lavoro ha avuto un impatto diretto sull’architettura e il design moderni, in particolare grazie alla sua collaborazione con il movimento De Stijl. Architetti come Gerrit Rietveld e Ludwig Mies van der Rohe hanno incorporato i principi neoplastici di semplicità e ordine geometrico nelle loro opere. Un esempio iconico è la sedia Red and Blue di Rietveld, che applica i principi visivi di Mondrian a un oggetto funzionale, con forme geometriche e colori primari a creare un equilibrio perfetto. Anche il design grafico e la moda hanno attinto a piene mani dal suo linguaggio visivo. Nel 1965, lo stilista Yves Saint Laurent creò il celebre abito Mondrian, ispirato direttamente alle griglie di linee nere e blocchi di colore che caratterizzavano i dipinti dell’artista. Mondrian Oggi Nonostante la sua scomparsa nel 1944, Piet Mondrian rimane un punto di riferimento nel panorama artistico contemporaneo. Il suo approccio rigoroso e filosofico alla pittura continua a ispirare generazioni di artisti e designer, e le sue opere sono ampiamente riconosciute come pietre miliari dell’arte astratta. Le griglie geometriche e i colori di Mondrian hanno continuato a influenzare la cultura visiva, comparendo in tutto, dalle copertine degli album musicali alla grafica pubblicitaria. Ma ciò che rende l’arte di Mondrian ancora attuale è la sua capacità di evocare un senso di ordine e armonia che trascende le tendenze artistiche e rimane universale. Citazioni su Mondrian Molti critici e artisti hanno riflettuto sul significato e l’impatto dell’opera di Mondrian. Una citazione illuminante viene dal critico d’arte italiano Achille Bonito Oliva, che ha descritto Mondrian come “un costruttore di mondi possibili, in cui la semplificazione diventa chiave per un’estetica della purezza”. Anche Philippe Daverio ha lodato Mondrian per la sua capacità di “ridurre all’essenziale senza perdere il contatto con la profondità spirituale della creazione artistica”. Piet Mondrian è stato più di un pittore: è stato un filosofo della forma, un innovatore dell’arte moderna che ha aperto nuove strade alla creatività visiva. La sua eredità continua a vivere nelle arti visive, nel design e nell’architettura, confermandosi un simbolo di una bellezza essenziale e universale. Mondrian ci ricorda che, nella complessità del mondo, l’arte ha il potere di rivelare una verità semplice e profonda: l’equilibrio tra ordine e caos, tra la forma e lo spirito.

  • Il “Manierismo” un’arte discussa

    Il Manierismo è un periodo ricco di sperimentazioni, un’arte che rifletteva un’epoca di cambiamento e di tensioni, e che ha lasciato un’eredità duratura nella storia dell’arte. Il Manierismo è un movimento artistico che si sviluppa tra la fine del Rinascimento e l’inizio del Barocco, approssimativamente dal 1520 fino al 1600. È un periodo caratterizzato da una certa “raffinatezza” nell’arte e da un’evoluzione delle tecniche e delle tematiche rispetto al classicismo rinascimentale. Di seguito alcuni aneddoti e curiosità sulla storia e le caratteristiche del Manierismo: L’origine del termine “Manierismo” Il termine “manierismo” deriva dalla parola italiana “maniera”, che nell’epoca rinascimentale indicava lo stile personale o la grazia nel fare le cose. Inizialmente, “avere maniera” era considerato un complimento che indicava un’eleganza innata e una padronanza delle tecniche artistiche. Tuttavia, col passare del tempo, il termine prese una connotazione più negativa, riferendosi a un’arte che era più concentrata sull’effetto estetico e sull’elaborazione che sull’armonia e il realismo del Rinascimento. L’arte dell’eccesso e della distorsione A differenza del Rinascimento, che ricercava l’equilibrio, la proporzione e l’armonia, gli artisti manieristi amavano esagerare, creando figure allungate, posture contorte e composizioni complesse. Un esempio iconico è “La Deposizione” di Jacopo Pontormo, dove i corpi sembrano fluttuare in uno spazio etereo, quasi senza peso, con colori brillanti e innaturali. Questa volontaria distorsione delle forme naturali esprimeva un senso di inquietudine, riflettendo le tensioni sociali e religiose dell’epoca. Pontormo, deposizione capponi, 1525-28 (s. felicita), 11.jpg L’influenza della crisi religiosa Il Manierismo nasce e si sviluppa in un periodo di grandi cambiamenti politici e religiosi in Europa, coincidente con la Riforma Protestante e la Controriforma Cattolica. Gli artisti manieristi, vivendo in questo clima di instabilità, hanno cercato di rappresentare il mondo in modo meno sereno rispetto ai loro predecessori rinascimentali. Il senso di incertezza e disorientamento si rifletteva nell’arte, che diventava più ambigua, emotivamente carica e talvolta drammatica. I “scherzi” di Parmigianino Parmigianino, uno dei grandi maestri del Manierismo, era noto per la sua genialità e per il suo spirito giocoso. Una delle sue opere più famose, “La Madonna dal Collo Lungo”, è un esempio lampante del suo stile: la Vergine Maria è ritratta con un collo esageratamente allungato, una distorsione che sfida le proporzioni classiche. Si dice che Parmigianino amasse giocare con la prospettiva e creare immagini volutamente “strane” per sorprendere e affascinare il pubblico. Girolamo Francesco Maria Mazzola – Madonna with the Long Neck.jpg Il mistero del “Cristo in Gloria” di Rosso Fiorentino Rosso Fiorentino, un altro esponente del Manierismo, fu noto per il suo stile fortemente espressivo e talvolta inquietante. Una delle sue opere più enigmatiche è “Cristo in Gloria”, un dipinto che presenta una visione insolita e drammatica di Cristo circondato da santi e angeli. Il Cristo appare in una posizione non convenzionale, con espressioni e pose che rompono con la tradizionale iconografia religiosa. L’opera fu così controversa che venne ritirata dalla vista pubblica per diversi anni. Il gusto per il bizzarro e il grottesco Gli artisti manieristi non si limitavano a deformare le figure umane, ma si divertivano anche con il bizzarro e il grottesco. Nella decorazione dei palazzi e delle chiese, amavano includere creature fantastiche, ibridi di uomini e animali, o dettagli esagerati. Questo si vede in molte opere decorative, come quelle di Giulio Romano nel Palazzo Te a Mantova, dove l’artista ha creato una serie di affreschi bizzarri e pieni di umorismo, una sorta di “teatro dell’assurdo”. Il mito di Michelangelo e il Manierismo Sebbene Michelangelo venga tradizionalmente associato al Rinascimento, molte delle sue ultime opere, come la “Pietà Bandini”, rivelano tratti manieristi. Le figure allungate e le pose drammatiche e tortuose riflettono l’estetica del Manierismo. In realtà, Michelangelo venne visto da molti artisti manieristi come una figura da emulare. La sua abilità nel creare forme muscolose e dinamiche influenzò profondamente l’arte di questo periodo. Pieta Bandini Opera Duomo Florence n01.jpg L’influenza del Manierismo sul design e l’architettura Il Manierismo non si limitava alle arti figurative. Anche l’architettura subì l’influenza di questo movimento, con edifici che rompevano con le convenzioni classiche. Giulio Romano, ad esempio, fu noto per il suo stile architettonico non convenzionale. Nel suo Palazzo Te a Mantova, incluse volutamente errori visivi e strutturali per creare effetti di sorpresa, come colonne inclinate e proporzioni distorte, che lasciavano i visitatori stupiti. La critica del Manierismo nel tempo Durante il XVII e XVIII secolo, il Manierismo venne spesso considerato un’arte “decadente”, lontana dall’equilibrio perfetto del Rinascimento. Gli storici dell’arte preferivano l’armonia e il realismo dei grandi maestri del Quattrocento e Cinquecento. Tuttavia, nel XX secolo, il Manierismo venne rivalutato e compreso come un movimento innovativo, che rispondeva ai profondi cambiamenti culturali e sociali dell’epoca. Oggi viene apprezzato per la sua originalità e per la sua influenza su movimenti successivi, come il Barocco. Curiosità: Il “Nudo in piedi” di Bronzino Agnolo Bronzino, famoso per i suoi ritratti, era maestro nell’arte della rappresentazione dell’eleganza aristocratica. Tuttavia, una delle sue opere più curiose è il dipinto “Nudo in piedi”, che rappresenta un giovane dalle fattezze perfette. Il realismo e la precisione anatomica del dipinto sono così accentuati che si dice che Bronzino abbia voluto mostrare la sua capacità tecnica, quasi sfidando lo spettatore a trovare un difetto.

Redazionali

  • Arte Contemporanea: Innovazioni, Mostre e Talenti in Primo Piano tra Roma, Torino e Verona

    1. Rome Art Week 2024 La Rome Art Week (RAW), conclusasi recentemente a Roma, ha registrato una partecipazione straordinaria con circa 900 tra artisti, curatori e istituzioni culturali. Quest’anno, RAW si è distinta per la sua collaborazione con l’Italia Media Art Festival, concentrandosi sull’arte digitale e le nuove tecnologie. Tra il 25 e il 27 ottobre, sei artisti emergenti e cinque affermati hanno presentato installazioni e opere che esplorano temi di attualità utilizzando media digitali, all’interno della Maker Faire di Roma. Altre iniziative, come “Punti di Vista”, hanno offerto tour guidati nei quartieri storici di San Lorenzo e Trastevere, offrendo sia esperienze d’arte consolidate che nuove prospettive grazie a un’ampia gamma di critici e curatori. 2. Diffusissima e Artissima a Torino La città di Torino si conferma un epicentro per l’arte contemporanea in Italia con eventi di grande richiamo, come Diffusissima e Artissima. Diffusissima si svolge fino al 3 novembre e propone mostre, performance e premiazioni, come il progetto “Future Fragilities” a Palazzo Birago, che unisce ecologia e postumanesimo in opere d’arte. Artissima, la storica fiera torinese, si terrà dall’1 al 3 novembre presso l’Oval Lingotto con il tema “The Era of Daydreaming” (L’era dei sogni ad occhi aperti). Diretto da Luigi Fassi, questo evento globale si presenta come un laboratorio di idee per le gallerie e le istituzioni partecipanti. Quest’anno Artissima accoglie 189 gallerie, di cui il 54% straniere, e introduce 37 gallerie emergenti, tra cui molte italiane come la Galleria MATTA di Milano. Accanto alla sezione principale, l’evento offre le sezioni tematiche Present Future e Back to the Future, che esplorano il passato e il futuro dell’arte contemporanea. 3. ArtVerona 2024 Concluse l’11-13 ottobre, ArtVerona ha portato avanti il dialogo tra artisti e mercato, con un’attenzione particolare ai progetti italiani. Tra i più rilevanti, la mostra Habitat ha incluso installazioni di Mario Merz e una serie completa delle opere di Fabio Mauri, in collaborazione con l’Archivio Fabio Mauri. Inoltre, ArtVerona ha supportato l’arte emergente attraverso numerosi premi, tra cui il Premio Massimiliano Galliani per il Disegno Under40 e il Sustainable Art Prize. La manifestazione si è svolta all’insegna del sostegno alle giovani gallerie, che con i loro lavori sono riuscite a offrire spunti innovativi anche per i collezionisti e il pubblico. Questi eventi mostrano come l’Italia stia consolidando la sua posizione come polo di innovazione per l’arte contemporanea, esplorando tematiche sociali e ambientali di grande rilievo, oltre a incoraggiare nuovi approcci creativi, in particolare attraverso il sostegno a giovani artisti e progetti digitali.

  • Come nasce un’opera d’arte? Il pensiero dietro l’artista.

    Paul Klee – Il Processo Creativo come Nascita Organica Paul Klee, pittore e teorico del Bauhaus, considerava la creazione artistica un processo organico, simile alla crescita di un essere vivente. Secondo Klee, un’opera d’arte non dovrebbe essere il risultato di un’imposizione esterna, ma piuttosto il frutto di un processo interno e naturale. In uno dei suoi famosi scritti, afferma: “L’arte non riproduce ciò che è visibile, ma rende visibile ciò che non sempre lo è”. Secondo lui, l’artista dovrebbe lasciarsi guidare da un impulso interiore, lasciando che l’opera prenda forma gradualmente, in modo quasi biologico, senza forzare il processo. Wassily Kandinsky – L’Opera come Espressione Interiore Wassily Kandinsky, uno dei pionieri dell’arte astratta, credeva che la nascita di un’opera d’arte dovesse scaturire dall’interiorità dell’artista. Nel suo celebre libro “Lo spirituale nell’arte”, Kandinsky sottolinea l’importanza della dimensione spirituale nel processo creativo. L’artista deve comunicare le proprie emozioni più profonde e dare voce all’anima: “L’artista è la mano che, toccando questa o quella chiave, fa vibrare l’anima umana”. Kandinsky riteneva che l’arte astratta fosse il modo più puro per esprimere questa interiorità, poiché non è vincolata alla rappresentazione della realtà fisica. Marcel Duchamp – La Provocazione Intellettuale Marcel Duchamp, figura chiave del Dadaismo e ideatore del concetto di ready-made, ha rivoluzionato il modo di intendere la nascita di un’opera d’arte. Secondo Duchamp, un’opera d’arte non doveva necessariamente nascere dalla maestria tecnica o dalla bellezza visiva, ma poteva derivare da una scelta intellettuale. La sua famosa affermazione: “È l’artista che fa l’opera d’arte”,sottolinea il ruolo centrale dell’idea e del concetto. Con i suoi ready-made, come l’orinatoio intitolato Fontana (1917), Duchamp dimostra che un oggetto ordinario, privato della sua funzione originaria, può diventare un’opera d’arte se presentato nel contesto giusto. Vincent van Gogh – L’Intensità del Sentimento Vincent van Gogh, uno degli artisti più amati e tormentati della storia, ha spesso parlato dell’arte come il risultato di una forte necessità emotiva. Le sue lettere a suo fratello Theo offrono uno sguardo intimo sul suo processo creativo. Per Van Gogh, l’arte doveva catturare l’emozione in modo diretto e sincero: “Io metto il mio cuore e la mia anima nel mio lavoro, e ho perso la mia mente nel farlo”. Van Gogh era convinto che un’opera d’arte dovesse nascere dal coinvolgimento emotivo e dalla passione dell’artista, che riversa sulla tela la propria visione interiore. Achille Bonito Oliva – L’Arte come Gioco Intellettuale e Coinvolgimento del Pubblico Achille Bonito Oliva, critico d’arte e teorico della Transavanguardia, ha spesso riflettuto su come dovrebbe nascere un’opera d’arte contemporanea. Secondo lui, l’opera deve scaturire da una tensione tra la tradizione e la libertà espressiva dell’artista, un gioco tra linguaggi, tecniche e idee. Bonito Oliva afferma che l’arte nasce dalla capacità di “ridurre all’essenziale e ricombinare gli elementi preesistenti”. Inoltre, insiste sull’importanza dell’interazione con il pubblico, che deve essere attivo e partecipe: “L’arte deve rimanere un gioco aperto, in cui il pubblico è chiamato a interagire e interpretare”. Michelangelo – Il Potere della Scoperta Michelangelo, maestro del Rinascimento, offriva una visione più tradizionale ma profondamente simbolica della nascita di un’opera d’arte. Per lui, la scultura era un processo di rivelazione più che di creazione. Michelangelo vedeva la forma già presente nel blocco di marmo, e il suo compito era semplicemente quello di liberarla: “Ogni blocco di pietra ha una statua dentro di sé ed è compito dello scultore scoprirla”. Questa visione suggerisce che l’opera d’arte esiste già in potenza e che il ruolo dell’artista è quello di portarla alla luce attraverso il suo talento e la sua tecnica. Joseph Beuys – L’Arte come Azione Sociale Joseph Beuys, artista e teorico dell’arte tedesco, vedeva la nascita dell’opera come un atto di trasformazione sociale e spirituale. Il suo famoso motto, “Ogni uomo è un artista”, evidenzia la sua visione democratica dell’arte. Beuys credeva che ogni persona avesse il potenziale per contribuire al processo creativo e che l’arte dovesse essere uno strumento per cambiare la società: “L’arte è il solo potere evolutivo”. Per Beuys, un’opera d’arte doveva nascere dall’interazione tra l’artista e la comunità, per avere un impatto concreto sul mondo circostante. Giorgio De Chirico – Il Mistero e l’Inconscio Giorgio De Chirico, pioniere della pittura metafisica, ha sviluppato una concezione dell’opera d’arte come risultato di un incontro con l’ignoto. Le sue tele misteriose e surreali, popolate da manichini e architetture classiche, riflettono la sua convinzione che l’arte debba evocare un senso di inquietudine e di meraviglia. Secondo De Chirico: “Ciò che l’artista deve cercare è il mistero”. Per De Chirico, la nascita di un’opera d’arte è legata alla capacità dell’artista di esplorare l’inconscio e di evocare sentimenti di straniamento e nostalgia. La nascita di un’opera d’arte è un tema che ha affascinato artisti e teorici nel corso della storia, dalle visioni più spirituali e interiori a quelle intellettuali e concettuali. Da Kandinsky a Duchamp, da Michelangelo a Beuys, le diverse teorie offrono un panorama ricco di approcci che possono convivere o entrare in conflitto, ma che tutti puntano a un elemento comune: la capacità dell’opera d’arte di creare una connessione unica tra l’artista e il mondo, sia interiore che esteriore. Modigliani, Picasso and André Salmon.jpg

  • L’Arte nelle Regioni: L’Importanza di Creare Circoli di Artisti per lo Scambio di Idee

    L’arte ha sempre avuto radici fortemente legate al territorio. Le diverse regioni d’Italia, per esempio, hanno dato vita a movimenti artistici distinti e caratteristici. Si pensi al Rinascimento fiorentino, al barocco romano o alla pittura veneta. Ognuno di questi movimenti è nato grazie alla particolare congiuntura di talenti, mecenatismo locale e circolazione di idee tra artisti. Le specificità regionali diventano così un punto di forza per lo sviluppo artistico, poiché gli artisti si nutrono delle influenze culturali, storiche e naturali del proprio territorio. Oggi, recuperare questa dimensione locale è cruciale per evitare che l’arte diventi omologata, perdendo quel legame autentico con il contesto da cui proviene. Perché i Circoli di Artisti Sono Importanti? Nel corso della storia, i circoli di artisti hanno sempre avuto un ruolo determinante nella crescita e nell’evoluzione delle arti visive. Da gruppi di pionieri come i preraffaelliti inglesi o i futuristi italiani, fino alle avanguardie del Novecento, lo scambio di idee all’interno di queste comunità è stato determinante per l’innovazione artistica. Creare nuovamente circoli di artisti significa ricreare uno spazio di dialogo e confronto, dove l’incontro tra diverse sensibilità artistiche può portare alla nascita di nuove forme di espressione. Spesso, l’artista tende a isolarsi nel proprio studio, intrappolato in un processo creativo individuale. Questo, se da un lato favorisce l’introspezione, dall’altro rischia di far perdere il contatto con il mondo esterno e, soprattutto, con le altre voci artistiche. I circoli di artisti, invece, incentivano un’interazione costante tra creatori, favorendo non solo lo scambio di tecniche e competenze, ma anche una riflessione collettiva sul significato dell’arte contemporanea e sui suoi possibili sviluppi. L’Impatto Sull’Arte Contemporanea In un’epoca in cui la comunicazione digitale sembra aver reso superflui gli incontri fisici, la creazione di circoli di artisti a livello locale diventa ancora più significativa. Se da un lato i social media permettono di diffondere opere e idee in tutto il mondo in tempo reale, dall’altro spesso mancano di quella profondità che nasce solo dall’interazione diretta. Il dialogo faccia a faccia, la possibilità di vedere da vicino l’opera di un collega, di discuterne con passione e di condividere esperienze personali, rappresenta un valore aggiunto che nessun mezzo digitale può sostituire completamente. In un circolo artistico, ogni artista porta con sé un bagaglio di esperienze e idee che arricchisce il gruppo nel suo complesso. Questo scambio reciproco ha un effetto moltiplicatore: non solo il singolo artista ne esce arricchito, ma tutto il gruppo cresce, stimolandosi vicendevolmente. È questo tipo di interazione che può dare nuova linfa vitale all’arte contemporanea, spingendola verso nuove direzioni e contaminazioni. Un Esempio di Rinascita: Le Residenze d’Artista Un modello moderno che riprende lo spirito dei circoli artistici regionali è quello delle residenze d’artista. Questi programmi, spesso promossi da istituzioni culturali locali o da privati, offrono agli artisti la possibilità di vivere e lavorare in un contesto specifico per un certo periodo, favorendo il contatto con altri creatori. Le residenze diventano veri e propri laboratori di idee, in cui artisti provenienti da background diversi possono confrontarsi, lavorare insieme e sperimentare nuove soluzioni creative. Le regioni italiane, con le loro straordinarie bellezze naturali e culturali, sono il contesto ideale per questo tipo di iniziative. Creare nuovi circoli di artisti nelle regioni non è solo un’opportunità per rivitalizzare il panorama artistico locale, ma anche un modo per offrire agli artisti una piattaforma di crescita personale e collettiva. In un mondo che tende sempre più all’uniformità, è proprio il recupero della dimensione locale, del contesto specifico e del confronto diretto tra pari che può restituire all’arte quel respiro autentico e profondo che la rende un’espressione essenziale dell’esperienza umana. Come diceva Paul Cézanne, “L’arte è una religione. I suoi sacerdoti dovrebbero dedicarsi ad essa, con la stessa purezza e lo stesso disinteresse con cui i preti si dedicano al culto di Dio”. La creazione di circoli artistici regionali potrebbe essere il primo passo verso questa dedizione collettiva, che arricchisce non solo gli artisti ma l’intera società.

  • Le realtà locali dell’arte contemporanea: un tessuto culturale in continua evoluzione

    L’arte contemporanea non è solo un fenomeno globale. Al contrario, alcune delle sue espressioni più interessanti nascono proprio dal tessuto locale, dalle piccole realtà che lavorano lontano dai riflettori delle grandi metropoli culturali. In questi contesti, si formano veri e propri laboratori d’innovazione, dove artisti e curatori sperimentano nuove forme e idee. Esplorare le dinamiche delle realtà locali ci permette di capire meglio come l’arte contemporanea si adatti, rifletta e reinterpreti la complessità del mondo odierno. Come ha sottolineato il celebre critico d’arte Achille Bonito Oliva, “L’arte contemporanea si nutre della sua dimensione locale, che è sempre la base per una visione universale. È attraverso le radici nel proprio contesto che l’artista può proiettarsi verso l’orizzonte globale L’importanza delle realtà locali nell’arte contemporanea Spesso, quando pensiamo all’arte contemporanea, ci vengono in mente grandi città come New York, Londra, Berlino o Parigi. Tuttavia, negli ultimi decenni, le piccole città e i contesti periferici si sono rivelati un terreno fertile per la produzione e la diffusione di arte innovativa. Le realtà locali non sono semplici riflessi delle dinamiche centrali, ma piuttosto laboratori indipendenti che esplorano narrazioni diverse, portando alla luce problematiche legate al territorio, alla comunità e alla storia locale. Come ha sottolineato il celebre critico d’arte Achille Bonito Oliva, “L’arte contemporanea si nutre della sua dimensione locale, che è sempre la base per una visione universale. È attraverso le radici nel proprio contesto che l’artista può proiettarsi verso l’orizzonte globale”. Questa citazione evidenzia il valore intrinseco delle realtà locali, che permettono agli artisti di esplorare temi universali, partendo però da una prospettiva profondamente ancorata al loro ambiente. La riscoperta degli spazi periferici Un esempio significativo di questo fenomeno è dato dai numerosi festival e biennali che hanno visto la luce in piccole città o aree periferiche, come la Biennale di Istanbul o la Biennale di Dakar. Questi eventi hanno dimostrato come l’arte contemporanea possa nascere e prosperare al di fuori dei tradizionali centri artistici, dando spazio a voci diverse e a prospettive inedite. Un altro esempio notevole è la città di Matera, che, grazie al titolo di Capitale Europea della Cultura 2019, ha visto una vera e propria rinascita artistica. Matera ha saputo coniugare la sua straordinaria eredità storica con le tendenze più recenti dell’arte contemporanea, mostrando come un contesto locale possa diventare un polo di attrazione per artisti di tutto il mondo. Philippe Daverio, storico dell’arte e curatore, ha spesso parlato del potere delle piccole realtà locali nell’arte, affermando che “La vera avanguardia non sta nelle grandi città, dove tutto è già visto e digerito, ma nei luoghi dove l’artista può ancora trovare spazi di libertà e sperimentazione”. Questa affermazione mette in luce l’importanza delle periferie e delle piccole realtà come incubatori di creatività. Il ruolo delle gallerie e delle associazioni culturali locali Un altro elemento chiave per la crescita dell’arte contemporanea nelle realtà locali è il ruolo delle gallerie indipendenti e delle associazioni culturali. Questi spazi, spesso gestiti da artisti o curatori stessi, diventano punti di riferimento per la scena artistica locale. Sono luoghi dove gli artisti possono esporre le proprie opere, confrontarsi con il pubblico e instaurare un dialogo con la comunità. In Italia, ad esempio, città come Torino o Palermo hanno sviluppato un ricco tessuto di gallerie indipendenti che promuovono artisti emergenti. A Torino, realtà come GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo giocano un ruolo cruciale nell’esposizione e promozione di artisti italiani e internazionali. La sfida della globalizzazione Sebbene le realtà locali siano una fucina di creatività, la sfida principale che devono affrontare è la competizione con le dinamiche globali. L’arte contemporanea è sempre più connessa a un mercato internazionale, dove il valore di un’opera viene spesso determinato da fattori esterni, come la partecipazione a grandi fiere o l’attenzione da parte delle istituzioni internazionali. Tuttavia, le realtà locali hanno il potere di resistere a queste pressioni, mantenendo una propria identità e valorizzando il legame con il territorio. In questo contesto, la sfida per le piccole realtà locali è trovare un equilibrio tra l’apertura verso il mondo esterno e la salvaguardia delle proprie peculiarità. Alcuni artisti scelgono di restare radicati nel loro contesto, mentre altri intraprendono un dialogo con il mondo, mantenendo però un legame con le proprie origini. Le realtà locali dell’arte contemporanea rappresentano un patrimonio inestimabile, non solo per il loro contributo alla diversificazione delle pratiche artistiche, ma anche per la loro capacità di creare un dialogo autentico con il territorio. Come ha detto Bonito Oliva, “L’arte è una proiezione di idee locali su una tela globale”. La sfida per le piccole realtà locali è riuscire a mantenere vivo questo dialogo, offrendo nuove prospettive che arricchiscono l’arte contemporanea nel suo insieme. Le piccole città, i festival periferici e le gallerie indipendenti continueranno a svolgere un ruolo fondamentale nel plasmare il futuro dell’arte contemporanea, offrendo uno spazio per la sperimentazione e la riflessione che le grandi metropoli, a volte, non possono più garantire. È proprio da questi contesti locali che l’arte contemporanea potrà continuare a rinnovarsi e a evolvere, arricchendo il panorama globale con prospettive nuove e sorprendenti.

  • “Riscoprire l’Arte: Oltre il Mercato, Verso l’Autenticità Creativa”

    L’arte non dovrebbe essere creata con l’unico scopo di essere venduta. Quando un’opera nasce solo con l’intento di soddisfare le esigenze del mercato, rischia di perdere l’autenticità e la profondità che caratterizzano il vero processo creativo. Il valore di un’opera d’arte non si misura in termini economici, ma nella capacità di riflettere l’anima e le esperienze dell’artista, di raccontare una storia, di esprimere una visione unica del mondo. Come ha affermato lo scultore Constantin Brâncuși:”L’arte deve essere solo creata con l’anima.” Vincent van Gogh, ad esempio, ha vissuto gran parte della sua vita in povertà, senza mai vendere più di un’opera durante la sua esistenza. Tuttavia, ciò non ha mai impedito al pittore di dedicarsi completamente alla sua arte, alla ricerca continua di un significato profondo attraverso il colore, la luce e le forme. Van Gogh ha trovato nell’arte un mezzo per esplorare e rappresentare le proprie emozioni, le proprie sofferenze e la bellezza che percepiva nel mondo, spesso invisibile agli altri. La sua grandezza artistica risiede proprio in questa capacità di tradurre sentimenti e pensieri complessi in immagini vibranti e vive. L’arte, dunque, è molto più di un prodotto da scambiare: è il risultato di un percorso interiore, un’esperienza che richiede tempo, introspezione e un profondo legame con il mondo che ci circonda. Ogni opera d’arte rappresenta un frammento del percorso dell’artista, un pezzo di vita che viene offerto al mondo come riflessione, provocazione o semplice espressione di bellezza. Riscoprire il percorso artistico significa ritornare a considerare l’arte come un atto di creazione pura, non dettato dalle mode del momento o dalle esigenze del mercato, ma dal desiderio di esprimere una verità interiore. Significa apprezzare l’arte non solo per ciò che si vede sulla tela o nella scultura, ma per la storia, le emozioni e i pensieri che si celano dietro ogni gesto creativo. Questa visione sottolinea l’importanza di un ritorno alla sincerità e alla profondità nel processo artistico, dove l’opera diventa un’estensione del mondo interiore dell’artista, piuttosto che un semplice oggetto di consumo. Risvegliare questo rispetto per il percorso artistico è fondamentale per preservare la vera essenza dell’arte.

  • Il saluto del Direttore

    Guido Folco L’avventura di iniziare una nuova rivista di arte e cultura rappresenta sempre, da un lato, una sfida ai tempi che cambiano e agli strumenti di comunicazione in continua evoluzione, dall’altra un’affermazione di fiducia e di ottimismo verso il pubblico di artisti, collezionisti, appassionati e lettori che po­tranno apprezzare e utilizzare questo ulteriore mezzo di informazione. Galleria Arte e Sitle nasce da un’idea di Peter Manchia, titolare di Art Gallery Gregorio VII di Roma, amico e collega con cui ho il piacere di collaborare da tempo su diversi progetti e di cui molto apprezzo professionalità e preparazione. Nella rivista troveranno spazio articoli e servizi dedicati agli artisti contemporanei, all’antiquariato, alle fiere di settore, agli eventi più interessanti del territorio e non solo, arricchiti da interviste, inchieste, approfondimenti culturali.La veste grafica ha richiesto studio e attenzione, ma siamo certi che il risultato finale sia sicuramente di ottimo livello, anche grazie alle preziose collaborazioni di professionisti del settore che ringraziamo per la loro disponibilità nel porre al servizio di “Galleria Arte e Stile” competenze e passione. Non mi resta quindi che dare un caloroso benvenuto a tutti i nostri lettori, agli artisti, agli operatori dei diversi campi culturali che il periodico andrà ad indagare con entusiasmo, creatività e rigore professionale.

Interviste

  • Intervista a Maurizio Bonolis artista internazionale
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Laura Scribano Antiquariato di Peter Manchia. Via Gregorio VII 274 – 274a – Roma – Tel. 06.630233 C.Fiscale: MNCPTR73L19C773F – P.IVA: 13371641005 – REA: RM1446365

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